Robocop (2014)

ROBOCOP (2014)

TITULO ORIGINAL:  ROBOCOP

DIRECTOR: José Padhila

GUION:  Joshua Zetumer

REPARTO: Joel Kinnaman, Gary Oldman, Michael Keaton, Abby Cornish, Samuel L. Jackson y Jackie Earle Haley.

DURACION: 118 min

Desde el instante en el que empiezas a ver una película y terminas el visionado un par de meses después, sabes que algo va mal.

Al principio, intenté con la versión original subtitulada y no tuve coraje de continuar más allá de los diez primeros minutos, así que decidí esperar la versión doblada para encontrarme con el mismo sufrimiento audiovisual.

Los nacidos a finales de los setenta e inicios de los ochenta hace años que sufrimos el ataque constante por parte de algunos productores de Hollywood empeñados en destrozar, mutilar o violar muchos de los films que nos marcaron durante nuestra infancia o período de iniciación al mundo del frikismo.

Vale, los remakes han existido durante casi toda la vida, aunque al principio era algo inusual y poco común. 

Los primeros en recibir dicho apaleamiento fueron los aficionados al cine de terror, americano o japonés. Aunque después, enterados de los beneficios que las nuevas generaciones o los vagos no dispuestos a visionar películas con subtítulos daban a esta clase de productos, el punto de mira dejó de tener un género en concreto.

A simple vista, los que estamos en contra de la mayoría de remakes parecemos los típicos haters que critican sin ningún fundamento con el único objetivo de lucir sus conocimientos. Aunque yo creo que se trata de algo más serio, al fin y al cabo estamos hablando de arte.

¿Y si volvieran a pintar La Mona Lisa o a esculpir el David de Miguel Ángel?

Estoy seguro de que a nadie le haría puta gracia… ¿Por qué con los cinéfilos iba a ser lo contrario?

Imaginad la de nuevas generaciones y entre ellos varios cinéfilos en potencia que habrán conocido a Fred Kruguer con el rostro de Jackie Earle Haley y no con el de Robert Englund.

Podría estar así un buen rato, aunque mejor afrontar la desgracia que se ha producido con una de las cintas más originales y reivindicativas de los años ochenta: Robocop (1987) de Paul Verhoeven.

Violencia explícita, humor negro, frases lapidarias ochenteras, hostias a tutiplén para el capitalismo y una estética sucia y decadente.

Estos aspectos son los que hicieron de Robocop (1987) una cinta excelente y no una película de acción más.

En el Robocop original presenciamos el brutal asesinato del agente Alex Murphy (Peter Weller), volándole la mano de un cañonazo, haciéndole picadillo el pecho y rematado con un tiro limpio en la frente. Todo ello, bajo las burlas de sus asesinos y la presencia de su compañera Anne Lewis (Nancy Allen).

En el nuevo Robocop, Alex Murphy (Joel Kinnaman) muere en un  festín de efectos digitales de mierda y casi en el acto. Para colmo Lewis (Michael K. Williams) no está. Aunque lo preocupante es que en comisaría no se hayan preguntado porque ahora Lewis tiene rabo y es negro.

Vayamos al personaje de Gary ‘haceañosquemelimitoagritar’ Oldman, supuestamente inspirado en el de Miguel Ferrer del film ochentero.

Allí, dicho científico era un yuppie adicto a la cocaína y sin ningún tipo de valores. Ahora es aspirante al premio Nobel de la Paz y es el mismo personaje que el señor Oldman lleva años interpretando. 

Yo lo llamo ‘El Síndrome de Anthony Hopkins’, aunque ya mismo evolucionará a ‘El Síndrome de Johnny Depp’.

Ahora lo que más me dolió:  Dick Jones, el villano interpretado con absoluta maestría por el excelente Ronny Cox. 

Mira que en un principio era en lo único en lo que tenía fe ya que se lo habían dado a Michael Keaton, actor que nunca me cansaré de decir que ha estado infravalorado toda la vida y que hasta el día de hoy sigue siendo el mejor Bruce Wayne del cine. Me cago en todo, si hasta deberían haberle dado un jodido premio de la academia por su Beetlejuice (1988).

Pero nada, el tío se limita a mover los labios mientras espera a cobrar el cheque. 

Acabemos con un doble giro mortal hablando de la nueva visión sobre Toronto… quería decir Detroit!

La película original se filmó en Dallas aunque estuviera ambientada en Detroit y la jugada les salió redonda. Aquella región de los estados unidos ofrece una arquitectura variada y distinta entre sí, parecida a la de la ciudad dónde sucede la historia.

Los del remake, imitando los movimientos de varias series de televisión, decidieron irse a Toronto. Pero esto no es televisión amigos, ni está ambientado en Nueva York (ciudad que sí se parece a Toronto). Un desastre, y eso que he sudado de hablar sobre el poco interés por mostrar un futuro pésimo, oscuro y enfermizo.

No quiero entretenerme mucho más en esta porquería que debería ser juzgada por crímenes contra la humanidad, así que iremos directamente al grano.

LO MEJOR

- Se ha dado una buena torta en la taquilla, eso quiere decir que con suerte nos libramos de una secuela.

- Esos ¿5 segundos? Dónde volvemos a escuchar la partitura original de Basil Poledouris.

LO PEOR

- Samuel L. Jackson y Michael Keaton.

- El guión, más parecido a uno de los estudios Asylum que de un remake.

- Los efectos digitales son pésimos para una película con semejante presupuesto. El stop motion de Phil Tippet era mucho mejor.

Conclusión

El Robocop de Verhoeven está de mayor actualidad que su remake, indicios de que algo se ha hecho mal. Así que recomiendo a todos volver a visionar las secuelas del film original (por mucho que Frank Miller diga) para apreciarlas de otro modo, al fin y al cabo no por ser películas más cercanas a la serie B,  dejan de ser unas buenas secuelas. 

5 Motivos para ver ALIAS (2001-2006) - Sin Spoilers

Me llamo Sydney Bristow, hace siete años fui reclutada para trabajar en una rama secreta de la CIA llamada SD-6, juré no revelarlo, pero no pude ocultárselo a mi prometido y cuando el jefe del SD-6 lo descubrió, hizo que le mataran. Fue entonces cuando supe la verdad, el SD-6 no forma parte de la CIA, había estado trabajando para la gente contra la que creía estar luchando. Así que acudí al único lugar en el que podían ayudarme a destruirles, ahora soy agente doble de la CIA, donde mi contacto es el oficial Michael Vaughn. 

Solo hay otra persona que conoce la verdad acerca de mis actividades, otro agente doble infiltrado en el SD-6, una persona a la que apenas conozco, mi padre.


Sydney Bristow

Cuando me compro una serie original en dvd, lo hago dispuesto a revivir la aventura cada vez que me apetezca. Quiero que esos personajes, lugares y situaciones convivan conmigo el resto de mi vida en mi colección personal. Y ahora que he vuelto a una de ellas, me apetecía contaros porque me cautivó e intentar exponer los motivos por los cuáles deberíais darle una oportunidad.

Descubrí ALIAS en el parón estadounidense entre la primera y segunda temporada de LOST (2004-2010), ansioso por ver que más había realizado un tipo con cara de científico loco llamado J.J Abrams.

En aquella época tan sólo había escrito el guión de A PROPÓSITO DE HENRY (1991), colaborado en la reescritura del libreto de ARMAGEDDON (1998) y creado (junto a Matt Reeves, futuro director de CLOVERFIELD)  una serie titulada FELICITY (1998-2002).

Nunca me atrajo la premisa de FELICITY, así que me decanté por ALIAS.


Os lo juro, no me equivoqué…

LOS CLIFFHANGERS

El recurso conocido hoy día como Cliffhanger es algo común en la mayoría de series actuales, aunque algo novedoso y bastante arriesgado a principios de siglo. Tan solo alguien con dos cojones como Chris Carter se había atrevido con la famosa THE X-FILES (1993-2002) antes que el señor Abrams lo pusiera de moda.

La jugada consiste en terminar el tercer acto de un capítulo con un final abierto, creando interés en el espectador por la siguiente entrega.

Si de algo jamás se podrá criticar a ALIAS es de la cantidad de guionistas que ‘nacieron’ en su cantera.

Alex Kurtzman y Roberto Orci (MI:3, Star Trek XI), Drew Goddard (Cabin in the Woods) o Adam Horowitz y Edward Kitsis (Lost) son algunos ejemplos.

Se podrían contar con los dedos de una mano aquellos capítulos que no tengan un final abierto e incluso a veces de infarto.

La ‘season finale’ de la segunda temporada es una de las mejores que he visto en mi vida, y creedme cuando os digo que he visto muchas.

NOTA:  Por curiosidad, si alguna vez os miráis Misión Imposible 3, os daréis cuenta que posee la misma estructura narrativa y el mismo interés que ALIAS por humanizar a los héroes de la función mostrando su vida personal .

MICHAEL GIACCHINO

Compositor musical que se hizo conocido gracias a su participación en los videojuegos 'Medal Of Honor' de la Dreamworks y producidos por Steven Spielberg. Abrams se fija en él, ya que es alguien que en aquel momento busca abrirse camino en el formato audiovisual y el famoso creador de series le da una de sus primeras oportunidades con ALIAS.

Para la serie que nos ocupa, J.J Abrams compuso el tema principal y le indico a Giacchino el camino a seguir. Una mezcla de homenajes a Misión Imposible (la serie, no los films con Tom Cruise) y algunos temas techno de los más cañeros.

Red Hair is Better, On the Train o Balboa and Clubber son composiciones que nada tienen que envidiar a las bandas sonoras de grandes producciones cinematográficas. Incluso me arriesgaría a decir que la música de la serie que nos ocupa es un personaje clave más.

Años más tarde, Giacchino ha sido reconocido con un Oscar de la academia por su labor en UP (2009) y nos ha dejado otros temas asombrosos como Hollywood & Vines y  Win One For The Reaper de LOST (2004-2010) o All Along The Bell Towers o A New Day In The Old Town de FRINGE (2008-2013).

CREATIVIDAD LOGÍSTICA

Cuando hablo de creatividad logística, me refiero al enorme y satisfactorio trabajo de producción. Tanto el personal de arte, localizaciones o fotografía.

Una historia como la de ALIAS es imposible de contar si los personajes no están constantemente viajando de un lugar a otro del mundo.

En la serie, nos movemos desde Los Ángeles hasta París, Hong Kong, Barcelona, Moscú, Berlín, Madrid y un largo etc.

Los gastos de producción serían enormes si no fuese por dicha creatividad. ¿A que me refiero? A que todo, absolutamente todo esta rodado en Los Ángeles. Esto significa que deben engañar al espectador a base de localizaciones que contengan edificios o monumentos arquitectónicamente parecidos a dichos países, cromas, vestuario, vehículos y fotografía.

Una delicia para los frikis que nos gusta fijarnos en algunos aspectos de producción.

Con el paso de las temporadas pulieron este aspecto y lo llevaron al extremo con LOST (2004-2010) rodando todo tipo de países en Ohau (Hawai).

MITOLOGÍA

No es posible una buena serie sin una buena mitología. Da igual las subtramas, si no tienes un arco argumental claro y presente en cada temporada hasta finalizar la serie.

ALIAS no podía ser menos, y de echo, FRINGE (2008-2013) heredó muchos aspectos de la mitología de este serial.

'El Hombre', 'Milo Rambaldi' y un largo etc que no puedo nombrar sin mencionar spoilers. 100% Recomendable.

REFERENCIAS

Todo buen cineasta recurre a las referencias en algún momento de su carrera. En ALIAS podremos encontrar guiños desde Misión Imposible, Nikita (la película de Luc Besson, no la mamarrachada que emitió T5 hace unos años), Arma Letal o La Jungla de Cristal. 

Vamos a detenernos en esta última. Sin hacer spoilers de la trama general, los capítulos 11 y 12 de la primera temporada son un claro homenaje a Die Hard (1988).

 Retienen a unos cuántos rehénes en  'un edificio' y nuestra protagonista deberá hacer frente a los secuestradores al más puro estilo John Mclane. Si os fijáis, incluso en la furgoneta con la que entran, leeréis un rótulo dónde pone 'Mctiernan', apellido del director de dicha película. 

Conclusión

Mejor que algunas reputadas películas de acción, se mueve con elegancia entre varios géneros y mantiene intacta su facilidad para renovarse temporada tras temporada. Si te consideras un adicto a las series, ALIAS no puede faltar en tu bagaje frikintelectual. 

WOLF CREEK 2 (2013)

TITULO ORIGINAL: WOLF CREEK 2

DIRECTOR: Greg McLean

GUION: Greg McLean y Aaron Sterns

REPARTO: John Jarrat, Ryan Corr, Phillipe Klaus, Shannon Ashlyn, Kate Englefield, Shane Connor y Sarah Roberts.

DURACION: 107 min.

Imaginad que a Paul Hogan se le va la olla y en lugar de enamorarse de Sue Charlton (Linda Kowlozki) la degolla y corta en mil pedazos. 

Que ‘Cocodrilo Dundee’ (1986) se harte de tanto turista curioso y tome la decisión de eliminarlos a todos. Si eres capaz de ponerte en situación, podrás hacerte una idea de las andanzas de Mick Taylor (John Jarrat). 

La película original (Wolf Creek, 2005) era un slasher de bajo presupuesto el cuál se tomaba en serio a sí mismo. El film causó furor allá dónde se proyectaba aunque personalmente me pareció monótono y bastante aburrido. La verdad es que hoy en día los slashers ganan mucho si son capaces de no tomarse completamente en serio y reírse de sí mismos.

Y precisamente eso es lo que Greg Mclean ha pulido en su secuela. Ha cogido al paleto psicópata y lo ha convertido en una especie de ‘cartoon’ (dibujo animado) distanciándose del slasher para meterse de lleno en el splatter.  

El slasher es básicamente la historia de un asesino en serie que persigue adolescentes, normalmente con un arma principal y a poder ser cortante o punzante, aunque suelen verse más pechos desnudos de mujeres que grandes cantidades de sangre.

El splatter (o ahora también conocido como slapstick) mezcla el cine de terror con el cine de humor de un modo bastante peculiar. 

Se trata de ofrecer imágenes ultra violentas, en ocasiones tan exageradas  que como dije podrían estar sacadas de unos dibujos animados, cosa que provoca que el público no sienta un terror psicológico ni emocional, sino que crea una sensación de irrealidad y frenetismo. Provocando las carcajadas y la diversión asegurada al espectador que ya está acostumbrado a consumir este tipo de historias o escenas. 

En la mayoría de casos, suelen ser películas motivadas por la estética y la velocidad narrativa. 

Wolf Creek 2 (2013) es un film sangriento mucho más divertido que la mayoría de películas estrenadas con la etiqueta de ‘comedia’ y lo de menos es el guión. 

Aquí lo realmente importante es disfrutar de la caza personal de nuestro querido Mick Taylor que incluye mutilaciones, persecuciones automovilísticas, chistes malos e incluso canguros pasados de vueltas.  

En esta ocasión, se nota que han tenido un mayor presupuesto para las escenas de acción y los efectos especiales de maquillaje. Esto último es algo que se agradece y mucho en una cinta de estas características. 

Tampoco me quiero olvidar de la reducida aunque excelente selección musical para presentarnos a la pareja de turistas alemanes o la música clásica (¿es el Danubio Azul?) que acompaña las escenas en el hogar del matrimonio de ancianos.

Porque Mick es desagradable, sucio, paleto e incluso fascista… pero nos cae bien. 

LO MEJOR

- El sentido del humor que impregna cada fotograma de la película, desde las líneas de diálogo del protagonista hasta las situaciones totalmente surrealistas repartidas por todo el metraje.

-  El momentazo ‘The Lion Sleeps Tonight’, delirante y fabuloso.

- John Jarrat hace que su personaje sea muy divertido y a la vez  asqueroso, no es nada fácil.

- Los primeros (y más currados) efectos físicos, poco a poco se van decantando por lo más sencillo o digital, pero los primeros 45 minutos están plagados de logradísimos efectos.

LO PEOR

- El enfoque de esta secuela al personaje principal es mucho mejor que la del film original, entonces creo que esta hubiera sido una mejor carta de presentación para Mick Taylor.

- Que algunos miren para otro lado pensando que irá por el mismo camino que la primera.

- Llamadme plasta con la duración de las películas, pero… ¿por qué un film como este tiene que durar casi dos horas?

Conclusión

Recomendable película para pasar un buen rato. 

Si te gustan las comedias burras y absurdas pero con un toque cinéfilo/friki de calidad, no hace falta ni perder el tiempo con la primera parte o por lo menos si la ves, no le des la espalda a una secuela tan cojonuda como esta. 

GODZILLA (2014)

TITULO ORIGINAL: GODZILLA

PAÍS: ESTADOS UNIDOS

DIRECTOR: Gareth Edwards

GUIÓN:Max Borenstein, Frank Darabont

REPARTO: Aaron Johnson, Ken Watanabe, Elisabeth Olsen, Bryan Cranston, Juliette Binoche y Sally Hawkins.

DURACIÓN:  123 min

En 2010 Gareth Edwards sorprendió al mundo con una pequeña película supuestamente de bajo presupuesto titulada ‘Monsters’. Un film (en mi opinión) sobrevalorado, que explicaba la historia de un hombre y una mujer recorriendo ‘el camino de Santiago’ rodeados de After Effects.

Vamos, una película de extraterrestres casi sin extraterrestres. Una combinación perfecta para poner cachondo al hipster de turno.

Nunca he sido seguidor o fan del ‘Kaiju’, palabra japonesa que quiere decir ‘bestia extraña’ y que con el tiempo acabaría definiendo a todo un subgénero dentro de la ciencia ficción en Japón. Así que la siguiente opinión es desde el punto de vista de un cinéfilo más, y no de un defensor o hater de tales películas.

‘Godzilla’ (2014) no es una mala película, ya que cumple su propósito como blockbuster de serie B y gran presupuesto (¿?) que es, aunque seamos sinceros, podría haber sido mucho mejor.

El argumento es llano, pero tampoco queremos más. No creo que el público potencial de un film así desee ver una de Woody Allen, sino a bicharracos más grandes que un rascacielos dándose de hostias y dándolo todo. Aunque si al final te empeñas en intentar imitar a ‘Jaws’ (1975) en lo que a personajes se refiere, por lo menos se podrían haber currado a los protagonistas y no dejarlos como simples estereotipos y quedarte a gusto homenajeando al prota de Tiburón poniendo su apellido (Brody) a los personajes principales.

Tampoco me sirve que muchos planos y la fotografía me recuerden a ‘Jurassic Park’ (1993) si la historia y el sentido de la aventura jamás llegan a estar al nivel de la mencionada.

Lo bueno del nuevo Godzilla son sus intenciones, coger un poco de aquí y un poco de allá para facturar lo que al final termina pareciendo un homenaje a las películas de catástrofes de los años setenta, pero sin llegarles a la suela de los zapatos. 

Aaron Johnson es un actor soso, algo que me sorprendió bastante viniendo del excelente protagonista de ‘Kick Ass’ (2010) y no tiene ningún tipo de química con Elisabeth Olsen. Lo de Bryan Cranston tampoco se queda corto, utilizarlo para llevar el peso del primer acto de la película para ridiculizar a uno de los mejores actores del momento debería estar penado, a Juliette Binoche ni la menciono… porque poco más y ni la vemos.

Quizás el mejor es Ken Watanabe, ya que parte con ventaja al interpretar a un personaje basado en varios de los films antiguos.

En el apartado de los efectos visuales, nada que decir. Pero en la lucha final me hice la misma pregunta que en ‘Man of Steel’ cuando Kal – El y el General Zod se dan de hostias en Metrópolis: ¿En serio pretenderán realizar una secuela y vendernos que una reconstrucción de dichas características se soluciona en un par de años? Momentos quisquillosos que a uno le dan viendo este tipo de películas, dónde lo último que debes entrar en la sala es el sentido común o la lógica.

Total, si buscas pasar el rato, ver (un poquito) a Godzilla en acción, algunas set pieces de acción bastante logradas y unos protagonistas que hacen que uno pierda totalmente la fe por el ser humano, esta es tu película. A mí me gustó, aunque siendo sincero, creo que no es lo que venden ni unos ni otros. Ni los defensores ni los detractores. Ni es tan buena, ni es tan mala. Quizás sí que es mejor que la de Roland Emmerich (lo tenía bastante fácil), pero al igual que aquella, tampoco será recordada cómo una de las mejores películas del bicharraco gigante. 

LO MEJOR

- La impresionante banda sonora a cargo de Alexandre Desplat, especialmente la partitura que se puede escuchar en los bonitos créditos iniciales y los estupendos coros durante el descenso a 30.000 pies. 

LO PEOR

- El ridículo papel de Bryan Cranston.

- Las intenciones respecto a la criatura por parte de Gareth Edwards o la infinidad de guionistas que pasaron por el libreto. Una cosa es dejar la intriga durante el primer acto, y otra muy diferente es racionar a Godzilla de ese modo. Esto no es Tiburón, y total, a Godzilla ya lo hemos visto muchas veces. Y si por lo menos se hubieran currado a unos humanos interesantes…

- El segundo acto, es de lo peorcito en cuanto a ritmo.

Conclusión

Entretenida cinta de aventuras a la que le sobran 30 minutos de los 123 que tiene. No decepcionará a los fans, aunque tampoco creo vaya a perdurar mucho en la memoria cuando la campaña publicitaria se termine. 

THE SACRAMENT (2013)

TITULO ORIGINAL: THE SACRAMENT

PAÍS: ESTADOS UNIDOS

DIRECTOR: TI WEST

GUIÓN:  TI WEST

REPARTO:  Amy Seimetz, Joe Swanberg, Kate Lyn Sheil y AJ Bowen.

DURACIÓN:  95 min

Maldito Ti West, jamás olvidaré el día en el que ví la horrorosa ‘The Roost’ (2005) y antes de la proyección tuvo el morro de compararla con ‘Evil Dead’ de Sam Raimi.

Y de momento, pese a tener una idea base cojonuda en casi todos sus guiones, sigue decepcionándome en cada película que realiza.

The Sacrament tiene una buena dirección, fotografía y montaje. ¿Dónde está el problema entonces? Su guión.

Falto de ritmo, carisma o empatía con los personajes y por encima de todo, totalmente previsible.  La verdad es que si llego a saber que se dedicaría a filmar una recreación de los sucesos en ‘Jonestown’, me hubiera quedado con cualquiera de los numerosos documentales dedicados a Jim Jones (1931-1978) y su Templo del Pueblo.

Jim Jones fue líder y fundador de El Templo del Pueblo, fusionando creencias del cristianismo con doctrinas del comunismo e incitó a sus seguidores a vivir alejados del resto de la sociedad.

Construyeron un poblado y se establecieron en Guyana (América del Sur) bautizándolo como ‘Jonestown’, juego de palabras que relacionaba el apellido de su líder con el nombre de la cuidad más poblada de dicha región: Georgetown.

Poco tiempo después, algunos de sus seguidores empezarían a mostrarse molestos al darse cuenta de que trabajaban durante todo el día y la comida que se les daba era arroz y legumbres, sin embargo Jones recibía envíos de comida privados.

Incluso los menores de edad tenían que trabajar las tierras unas horas al día. Poco a poco, los niños iban siendo apartados de sus padres o familia para convivir con Jones y llamarlo Papá, dejándoles ver a sus progenitores durante un par de horas cada noche. Respecto a los internos que causasen cualquier problema, eran encerrados en una caja de madera de dos metros y medio de largo por uno de ancho.  Los que intentasen escapar, eran drogados hasta tal punto de anularles cualquiera de sus capacidades. Sin olvidarnos de varios hombres armados que controlaban el perímetro. 

En 1978, el congresista Leo Ryan y su asistente lograron entrar en el recinto y entrevistar  a varios integrantes sin ningún tipo de imprevisto.  Lo que no sabían es que por la mañana se desataría el infierno en la presuntamente paradisiaca ‘Jonestown’.

Al día siguiente, Leo y su acompañante se dirigían al helicóptero que los llevaría de vuelta a casa cuando fueron asaltados por varios miembros pidiéndoles que por favor se los llevasen con ellos. Entre tanto caos, Ryan recibió una puñalada y poco después fue masacrado por numerosos disparos, uno de ellos en la cara. Los pocos supervivientes del grupo que iban con él, huyeron campo a través mientras en el poblado todo estaba a punto de terminar.

Menudo rollo os estoy metiendo, pero he preferido contaros la historia real en la que se basa, ya que es mucho más entretenida (a mi parecer) y por otro lado no os destripo las pequeñas libertades creativas que se ha tomado Ti West en favor de un mejor acabado visual y supongo que por ahorrarse problemas con algunos familiares.

The Sacrament falla cómo Found Footage porque tiene innumerables fallos de raccord y libertades técnicas imperdonables cuando se trata de un formato como este. Falla cómo falso documental porque la fotografía es demasiado bonita, los personajes/actores tienen muy claro sus diálogos y acciones sin dejar espacio a la improvisación, algo que si se nota en otros found footage como ‘REC’ (2007) o ‘El Proyecto de la Bruja de Blair’ (1999). Y lo más importante, falla en transmitir lo único que en una película como esta se podía sacar provecho: La tensión e intentar  incomodar al espectador a medida que se desarrollan los sucesos.

Yo creo que Ti West es un buen director y sabe lo que se hace, aunque debería centrarse más en la elección de guiones, ya sean escritos por él o de otras personas. 

Ha sido carne de cañón del cine de terror setentero y ochentero, como se puede notar en films como ‘House of the devil’ (2009), ‘The Inkeepers’ (2011) o ‘Cabin Fever 2’ (2009). También me gustaría mencionar su cameo en ‘You’re Next’ (2011) que me pareció de un gusto exquisito al reírse de sí mismo en todo momento. 

LO MEJOR

- Gene Jones interpretando a Father, sublime su monólogo durante la entrevista. Y que se llame así en la vida real es más que curioso, recordemos que su personaje está inspirado en un tipo llamado Jim Jones.

- La que para mí es la mejor escena de la película: Una madre y su hija, resistiéndose. Ahí lo dejo, sencillamente BRUTAL.

- El montaje durante su primera escena, dónde se nos presenta a dos de sus protagonistas acompañados de algunas pausas en negro con texto para ponernos en situación, la música de Tyler Bates en ese momento es cojonuda.

LO PEOR

- Todo el metraje a base de entrevistas y más entrevistas.

- Los últimos diez minutos son ridículos por las acciones o decisiones de algún que otro personaje.

Conclusión

Película con un interesante punto de partida aunque demasiado lenta. Con unos protagonistas por los que en ningún momento sentirás empatía y un desenlace un poco atropellado. Eso sí, es cortita y tampoco duele visionarla. Vamos Ti! Haznos una peli redonda de una vez. ¿Quizás con el western ‘The Valley of Violence’ con Ethan Hawke y John Travolta?